Lunes, 10 de agosto de 2020 | Año XX | No: 7195 | CEO: Francisco J. Siller | Dirección General: Rocio Castellanos Rodríguez

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Enrique López Moreno

Enrique López Moreno

Johnny Indovina, la sensibilidad y mente creativa de Human Drama, presentará su filme “Seven Days” este 5 de agosto en México

Johnny Indovina docu 05 08 2020

México, 03 agosto.- Oficialmente, es en 1980 cuando los espíritus obscuros de la mítica banda de culto Human Drama, desplazan sus góticas almas hacia las luces de los escenarios musicales. Cada década tiene su emocionante carga de géneros musicales, pero para la crítica periodística especializada, en modo general, no hay duda que la década de los 1980, se caracterizó por ser la década del ya muy maduro género del: “gótico”.

Para los melómanos del estilo, esta época fue la que catapultó a un número extenso de bandas alrededor de las notas espirituales más próximas a tocar los espíritus sensibles de los chavos (y no tanto, también). Quizás el estado norteamericano que abrigó a muchas de estas bandas es sin duda, el barrio Angelino.

Human Drama, es otra banda que se dio forma en Los Ángeles, CA. La mente creativa y sensible del artista y guitarrista Johnny Indovina, aglutinaba su primer proyecto en Nueva Orleans, bajo el nombre de “The Models”, el cual cambiarían posteriormente por el de Human Drama, tras mudarse. La banda pronto fue identificada dentro del circuito “Scream”. Un bar considerado por muchos, como un espacio para artistitas underground. Allí, se podía disfrutar del glam, death y rock industrial. Éste espacio, fundado por Gloria Dayle y Michael Stewart, se convirtió a lo largo de los años; como un referente para muchos músicos que coqueteaban con éstos géneros.

Human Drama es una banda de culto. Sin embargo, es una de las bandas más queridas por muchas generaciones. Con una producción oficial de discos que arranca en 1989 hasta el 2017, con algunos brincos en el tiempo donde Indovina formaría parte de otros proyectos como: Memory Burn y Sound of the Blue Heart; la agrupación ha sido bien acogida tanto en Alemania, así como México. Siendo México, el país que más ha visitado, y con el que guarda sensaciones muy particulares.

Agrupaciones como ésta poseen una carrera llena de altibajos, tras haber firmado inicialmente con el sello discográfico RCA, cambiaron hacia el sello Triple X, así como Project. Sellos discográficos más empáticos con los artistas independientes. Particularmente Project, que se identifica con los géneros del gótico, dark wave, etéreo, neoclásico, shoegaze, ambient y dream pop.

Johnny Indovina ha visitado la capirucha desde 1995. Luego en 1996 y 1997, llenando con localidades agotadas todos los foros donde se ha presentado. Para 1998 graba un video en vivo del acoplado “Catorce mil trescientos ochenta y cuatro días después”, donde se apoyó con el sello discográfico mexicano “Opción Sónica”. En el 2000, vuelve a México. Tocando en el famoso “Café Bizarro”. En 2012, vuelve a para presentarse en el Plaza Condesa. Es tan estrecha la relación que ha encontrado Indovina con los mexicanos, que para el 2019 visita a la máxima casa de estudios en México, la UNAM. Celebrando esa visita con un concierto acústico el 29 de octubre del 2019; en el Centro Cultural Universitario. Evento que desde su anuncio, agotó todas las entradas.

En sus visitas, Human Drama o Johnny Indovina, se ha presentado en espacios como el Tianguis Cultural del Chopo, asó como el famosísimo Circo Volador. Espacios por antonomasia, considerados como los ombligos del arte en México y  para el mundo.

No obstante, el espíritu inquieto  de este gran artista lo sigue impulsando no sólo a realizar lo que más le gusta, la música. Sino también, con el ardiente deseo de  hacernos partícipes de sus viajes, experiencias y reflexiones. Tras más de 40 años de carrera musical. Este 5 de agosto, los mexicanos podremos ver su más reciente documental: “Seven Days in Mexico”. Documental que nos contará sobre “encontrar algo que es imposible perder”.

El video documental fue realizado por el experimentado Gene Blalock, productor, escritor y director angelino. Blalock, es muy conocido por su estilo narrativo, donde predominan sus viñetas de horror excéntrico, así como una perspectiva que le imprime a cada uno de sus proyectos. El trabajo de éste artista se caracteriza por su calidad humana a través de “espejos” de compasión.

Seven Days in Mexico es un viaje del que Johnny Indovina nos irá conduciendo por su esencia humana y artística, así como por esa estrecha conexión que ha tenido con México, incluyendo el estado que guarda la escena musical independiente. A través de estas postales en movimiento, dicho experimento servirá para reencontrarse con su amor: La Música.

Para poder ver y disfrutar de este viaje etéreo-emotivo este 5 de agosto. Los fans del gótico, de Human Drama o Johnny Indovina, la producción estará disponible a través de las diferentes plataformas electrónicas como son: iTunes, Amazon Prime Video, Tubi y Google Play. Pretexto imperdible pues es el cumpleaños de Johnny Indovina.

Emocionado por este evento, Johnny comparte un saludo para todo México:

“"Hello everyone, I am so happy that the movie “Seven Days in Mexico“ will finally be released in Mexico August 5th. Gene Blalock did a wonderful job with the Film. I hope that all of my friends in Mexico will enjoy it, and know how much your country means to me".// Hola a todos, estoy muy feliz de que la película “Siete Días en México” finalmente se estrene en México el 5 de agosto. Gene Blalock hizo un trabajo maravilloso con la película. Espero que todos mis amigos en México lo disfruten y sepan cuánto México significa para mí.

La fotografía, quedó a cargo de Andria Chamberlin. Cineasta graduada de la Universidad de Boston, la camarógrafa cuenta con 10 años de carrera profesional, lo que la ha llevado por varios continentes: África, Europa y América del Sur.

Emplastos, medicina alternativa que previenen al sistema inmunológico respiratorio para el invierno

México, 11 julio.- Nos encontramos a inicios del verano, un verano que para todo el mundo no ha resultado de recreo u ocio. Pues el virus SARS-CoV-2 ha impactado con una gran fuerza y generado millones de contagios por todo el mundo. Debido a que es una enfermedad nueva, la ciencia médica aún no ha podido desarrollar ni los  medicamentos que lo controlen, o vacunas que nos ayuden a desarrollar nuestro sistema inmunológico que lo asimile. Sin embargo, la Secretaria de Salud Federal, ha venido realizando los esfuerzos necesarios para contener la dispersión de tan peligroso virus.

En las conferencias vespertinas que ofrece cotidianamente el subsecretario Hugo López-Gatell, ha venido explicando,  de manera muy atinada, que la pandemia se ha logrado contener. Al menos, los resultados gráficos oficiales, así lo prueban. No obstante, en el tema de la fragilidad respiratoria, el Dr. Gatell; ha advertido sobre  las enfermedades por resfriado, “aún faltan por venir las temibles gripes o influenzas”. Sin embargo, la lluvia veraniega, también es propicia para abrir una puerta a las gripes o resfriados.

Los resfriados comunes son aquellos que ocurren cuando nuestro sistema inmune se debilita ante un cambio repentino o brusco de una baja temperatura. Es aquí donde los emplastos pueden ser una alternativa médica para proteger y fortalecer a nuestro sistema inmunológico.

Los emplastos son, desde la perspectiva de la Medicina Tradicional China (MTC), un tratamiento que data desde hace más de 500 años. Para la medicina tradicional China; “la prevención es el tratamiento más importante”. Desde su óptica filosófica, la Medicina China ve a la “enfermedad” como un tipo de “desorden”. Por lo que el paciente o enfermo; se encuentra desequilibrado de manera interna. De tal modo que la función del médico es traerlo de vuelta, a un equilibrio o gobierno de su energía.

La teoría médico-filosófica de los emplastos nace a partir de la obra del Neijing, o Huangdi Neijing. Ésta obra canónica es atribuida al emperador Huangdi. La publicación se compone de 80 capítulos en forma de preguntas y respuestas. A través de estos textos, se discute y detalla los tratamientos de acupuntura con gran detalle. La primera mención del Huangdi Neijing aparece en el capítulo biográfico de Hansu, libro de la dinastía Han, terminado en el 111; según la Comunidad Europea (CE).

La importancia de esta obra, radica en que: “se aparta de las creencias chamánicas; de que las enfermedades son/eran causadas por influencias demoniacas o posesiones de espectros de otros mundos”. Es decir, aquí ya cobra un rigor metódico, que puede ser aceptado bajo la mirada del método científico. Los emplastos, es una técnica que se apoya en los tres principios de la (MTC). Por un lado, contamos con  1) la Acupuntura, 2) la Moxibustión (técnica de sanación por calor) y 3) la Herbolaria

La aplicación.

La aplicación de los emplastos se realiza en las áreas adoloridas, o que presentan un puente de contacto con el medio ambiente. Éstos, consisten de una mezcla de componentes naturales. Los compuestos que suelen utilizarse abarcan desde el uso de: mostaza blanca, los coridales, asarum, efedra, euforia etc. (Tipos de plantas, hierbas y/o especias). Estos componentes suelen aplicarse de forma mezclada, no de manera independiente, ya que de manera individual no reportan efectividad. Son los médicos acupunturistas los encargados en colocar los emplastos.

Los efectos que se pueden experimentar  en los pacientes van desde un leve aumento de la temperatura en la zona donde se aplican. Este aumento de temperatura se encuentra focalizado y sobre un área específica en la piel del paciente. No obstante, si el paciente reporta irritación o exceso de calor, los expertos lo retiran.

La dualidad de energías.

Desde la cosmovisión China, nuestra energía se divide en dos (Ying/Yang) o de maneras compensatorias y/o equilibradas. Por un lado tenemos el Ying, y en su contraparte tenemos al Yang. Para el caso del frío, causante de los desbalances de calor, el tratamiento se centra en el Yang.  Ésta es una de las energías que se abastece durante el verano. Es por ello que los médicos homeópatas y acupunturistas recomiendan la aplicación de los emplastos durante el verano, esto con la intención de fortalecer al sistema inmune y crear un balance previo a las temporadas frías.

Para el médico Roberto González González  “Hay que aplicar los emplastos durante el verano por lo menos tres veces al año, durante 3 años seguidos. Esto, con la intención de reducir la incidencia de ciertas enfermedades que se presentan con frecuencia durante el invierno, tales como gripes o influencias, así como las reumáticas”.

Las enfermedades asociadas con el frío son regularmente asociadas con una diferencia de energía. Si bien, al clima no se le observa de manera negativa, para la MTC lo clasifica bajo el siguiente esquema:

  • Frío + Viento
  • Frío + sequedad
  • Frío + humedad
  • Frio + humedad + viento
  • Frio + viento + sequedad

Las personas que viven cercanas a ríos, lagunas y mares presentan alguna de estas combinaciones.  Debido al descenso de la temperatura, las personas que habitan en zonas frías, su sistema inmune presenta algún síntoma de estrés. Es por ello que la capa Wei, se ocupa de la región del pulmón. La energía Wei, se ve como una energía escurridiza que circula por entre los vasos sanguíneos, la cual alcanza cualquier región del cuerpo. Ésta energía se sitúa en la parte superficial de la piel (subcutánea) de la piel, pero dándole un carácter preponderante a las membranas mucosas.

Los emplastos son un tratamiento “preventivo” hacia los cambios bruscos en la temperatura a la que estamos expuestos constantemente. Sus efectos muestran resultados, según avala el doctor Roberto González. Pero también son recomendados para pacientes con artritis o algún problema de piel.

La atención.

En un acto de solidaridad y apoyo a la sociedad. El doctor Ricardo Alberto Vega Vasconcelos egresado de la Universidad Estatal del Valle de Ecatepec, con especialización en acupuntura humana y rehabilitación, así como la Dra. Rosaura López Castillo, médico cirujano y homeopata, egresada del Instituto Politécnico Nacional (IPN), con una especialidad en medicina tradicional china. Ambos ofrecerán de manera gratuita y durante tres fechas en específico. Una serie de tratamientos con emplastos. Los días son: 16 y 26 de julio, y 15 de agosto. Aquí las fechas y datos de contacto:

lámina emplastos

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Ésto, con la finalidad de fortalecer el sistema inmune frente a los cambios de temperatura y la presencia de algunas de las posibles gripes (o alergias). Al mismo tiempo, hacer un registro de caso para expandir el marco teórico sobre los resultados de medicinas alternas.

Resist, es un Ep de recientes luces electrónicas del músico Dimitri Berzerk

México, 27 junio.-  MientrDimitri Berzekas la curva se prolonga en el tiempo, la complejidad de la música electrónica emerge pese a la sana distancia.

Dimitri Berzek, pareciera ser el nombre de algún ruso. Sin embargo es el nombre de un músico mexicano que se mueve por las atmósferas del Synthpop y el hard-punk-electronic –goth. El productor y Dj nacional nos invita a conocer a través de sus  loops las secuencias pulsantes a través de su más reciente producción: Resist.

Dicho EP nace bajo la mezcla de melodías lóbregas del Electronic Body Music (EBM). Tras haber recibido una gran aceptación con su disco anterior "Ctrl+Alt+Del". Dimitri busca hacer un replanteamiento de nuestra “realidad actual” con este Resist.

La selección de pistas no es azarosa o dejadas al libre albedrío. Intencionalmente se han colocada cada una de las pistas a lo largo de este acoplado, para contrastar entre sí; el objetivo es “conseguir un arco de sonidos que puedan contraponerse”.

Resist resulta de ser un Ep plagado de ritmos obscuros y agresivos que nos sumergen en un contexto de inconformidad. Por otro lado, encontramos melodías brillantes y enérgicas que nos motivan a seguir adelante. En general, es solo el punto íntimo de relación entre dos opuestos, un momento ideal para generar un cambio en nuestro entorno y resistir sus consecuencias.

Para los amantes de estos ritmos; podrán disfrutar de un disco bastante equilibrado. Su sonido logra las estridencias muy underground que suele cobijar a estos ritmos. Sonidos citadinos, centelleos mezclados con ese bit de suspenso, así como una extensa base de golpes industriales que se van apoyando a través de una voz melodramática y tenebrosa, o bien. Voces que nos recrean estar inmersos dentro de una industria post apocalíptica.  

A lo largo de toda la lírica, D. Berzek interpreta este acoplado completamente en inglés. El beat es bastante intenso, no decae en ningún momento, por lo que aquellos electro-goth dancers, podrán abordar la pista de manera intensa, buscando innovar con sus pasos, o bien sorprender a propios como a extraños sobre esas danzas hipnóticas y repetitivas.

El disco posee una portada bastante interesante. Bajo trazos de prismas que se unen por meras aristas. La cuadratura de líneas verdes limita el espacio por el que se mueven las diversas puntas agudas.

Dimitri es uno de esos tantos  artistas mexicanos que suenan bastante bien. Son músicos experimentados que demuestran no  pedir nada a influencias norteamericanas o europeas. Da gusto encontrar materiales que se forman en nuestro país.

A continuación, compartiremos con ustedes las redes así como el sitio oficial de Dimitri Berzek. Sitio oficial: https://www.dimitriberzerk.com  Donde además, podrán estar al pendiente de sus presentaciones en vivo. (Próximamente). En Facebook como Dimitri Berzek fan page, https://www.instagram.com/DimitriBerzerk/ y en Youtube; una probadita de cada una de las pistas de este Resist https://www.youtube.com/watch?v=sjuehNi2DNY

A 85 años de la sensible partida del “Morocho del Abasto”, apodo con el que se le conoció al gran cantante del sur: Carlos Gardel, con Marcelo Ezquiaga

México, 22 junio.- La vida de Carlos Gardel, es y sigue siendo un tema que apasiona a quienes gustan de la música, el canto y sobre todo, a ese estilo arrabalero que pocos como él, podía y tenía la habilidad para transformarlo en arte.

Marcelo EzquiagaMarcelo Ezquiaga es un artista multitalentoso: productor, compositor y músico argentino. En su ya extensa trayectoria como artista; ha desarrollado distintos proyectos musicales que lo han llevado desde el pop hasta este homenaje a Carlos Gardel.

A través de Morocho, disco del 2016. El álbum que consta de 14 pistas; es un recopilatorio de canciones que viene dotado por la presencia de diferentes artistas del mundo de la música, principalmente con Kevin Johansen  (músico que nació en Fairbanks, Alaska), pero considerado más como un artista argentino.

La intensión formal en Morocho es, rescatar las melodías que le dieron fama a Gardel, pero bajo una nueva óptica. Modernizándolas bajo los ritmos del pop. “Los límites del pop son tan lejanos que se puede hacer cualquier cosa, cualquier relectura y usar cualquier valor estético para encarar una música”, señala Ezquiaga.

La riqueza en colaboraciones para construir este Morocho, lo componen: Kevin Johansen, Julieta Venegas, Rubén Albarrán (Café Tacvba), Miranda, Chano Moreno Charpentier,  Martin Buscaglia, Esteman, Moreno Veloso, Leo García, Joaquín Vitola (Indios), Miss Bolivia, Onda Vaga y María Ezquiaga.

La vida de Carlos Gardel, es hasta el momento una de las historias que siguen capturado la imaginación y atención de jóvenes generaciones. Comenzando con la imprecisión tanto de su fecha de nacimiento, como de su origen. En una gira artística que realizaba (1935), un avión que se salía de la pista en el aeropuerto de Medellín, Colombia se impactaba contra otros. El desastre arrojó un incendio que cómo fatal saldo, presentaba a 17 personas fallecidas, allí se extinguía la vida del grandioso Carlos Gardel.

Por otro lado, los biógrafos no han podido definir su origen, lo señalan como de origen uruguayo, pero Europa también reclama su tutorialidad. La nación Gala, Francia; reclama su carta de nacimiento en 1890, en Toulouse. Sin embargo, Uruguay es hasta el momento el sitio más sólido como su sitio de nacimiento.

Otro dato curioso se desarrolla en torno a su edad. La información más sólida señala que probablemente tenía de entre 4 a 7 años más que, los 44 años que se cree tenia al momento del accidente.  

Durante su infancia y adolescencia se fue curtiendo artísticamente por la zona del barrio popular llamado “El abasto”. De ahí es probable que haya tomado el mote con el que también fuera conocido, como “El Morocho del Abasto”.

Por lo que este miércoles 24, a modo de homenaje, a 85 años de la partida del legendario Gardel, podremos disfrutar de Morocho en vivo a través: www.facebook.com/marceloezquiagamusica o bien en: https://www.youtube.com/popartdiscos  disco homenaje a una de las vidas truncas que el destino preparó. Un Carlos Gardel que conquistó la imaginación de muchos latinoamericanos, pero también de otros oídos, del otro lado del Atlántico, en la vieja Europa.

Marcelo Ezquiaga nos conducirá por una alternativa al tango, basándose en el rock, en el rithm and blues y el pop para rescatar la memoria viva de Carlos Gardel y su estilo que imprimió. A casi un siglo de que el mundo lamentase la pérdida tan sensible con la que nos dejó.

Los horarios para escuchar en vivo son:

MIERCOLES 24 DE JUNIO STREAMING

21 HS ARGENTINA

21 HS BRASIL

19 HS MEXICO

19 HS COLOMBIA

Sound and Sunrise, realiza un segundo ejercicio musical en línea. Argentina, Chile y México, sonarán a través de su plataforma en vivo

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México, 06 junio.- En todo el mundo se están realizando diversos esfuerzos para paliar y contener la dispersión por Covid-19. Muchas naciones han realizado diversas estrategias; en especial, para aquellos espacios donde se suele reunir mucha gente y éstos son muy pequeños. Hablamos de los foros para los conciertos. En ese sentido, las autordades sanitarias se han manifestado por mantener estos espacios de momento: cerrados, hasta nuevo aviso.

Lamentablemente, estas estrategias han puesto en jaque a mucha gente, en especial, dentro de las actividades económicas: a los artistas. Muchos de ellos suelen exponer buena parte de su producción en espacios públicos. Donde los espacios regularmente son reducidos. Por tal motivo, las plataformas digitales se han vuelto un nicho para poder seguir disfrutando de la expresividad cultural y artística.

Sound and Sunrise y Nine Fiction, con el apoyo de Amigos de Solar (de Chile), regresa con una segunda edición musical.

Este sábado 6 de junio, a través de la plataforma https://www.ninefiction.com será posible disfrutar y hasta conocer a estos artistas emergentes y no tanto. Que buscando una manera por difundir sus proyectos, se unen como una hermandad latinoamericana, para que a través de plataformas electrónicas, se construyan nuevas ideas; que nos conducen por nuevas formas para que "ustedes y nosotros"  podamos escuchar y ver en un horario escalonado, sin que se traslapen las "nuevas tocadas".

Con un cártel diverso y bien nutrido, artistas de Argentina, Chile y México alimentaran una tardeada casera e íntima a través de nuestros dispositivos móviles o en PC.

A partir de las 19:00 horas y de manera escalonada, los espíritus de estas tres naciones rebasaran las fronteras desde sus países, para mostrarnos sus diferentes estilos e inspiraciones a través de las voces de:

Leiden: Es una joven compositora y artista multidisciplinaria cubana-mexicana que fusiona el género latinoamericano con otros ritmos y géneros de vanguardia, preservando musicalidad, poesía y fuerza.

Pedro Barreto: Después de más de una década de forjarse como músico en múltiples bandas. Es para el año del 2016 que consigue una mano a mano, logrando tocar en la ciudad de Guadalajara (con el legendario gurú de la guitarra) Paul Gilbert (integrante de Mr.big/Racer X) recibiendo múltiples ovaciones por parte del público, así como del mismo Paul, quién lo elogia por su sonido y ejecución.

Marcelo Ezquiaga: Es un cantautor pop de Buenos Aires. Ha realizado 3 discos bajo el seudónimo Mi Tortuga Montreux y otros 4 como Marcelo Ezquiaga, entre ellos “Morocho”, un Homenaje a Carlos Gardel a dúo con artistas de todo Latinoamérica, acompañándose de otros artistas de la talla como: Julieta Venegas, Kevin Johansen, Rubén Albarrán de Café Tacvba, Esteman, Moreno Veloso de Brasil entre muchos otros. Actualmente Marcelo Ezquiaga está presentando Todo lo que nos une, su nuevo disco.

Rous: Rosario Jara, mejor conocida como "Rous".  Es una cantante y compositora nacida en Santiago de Chile (2 de noviembre de 1995). En 2015, comenzó sus estudios en la Escuela Moderna de Música, tomando la licenciatura en canto. Ese mismo año, participó para el programa de televisión "The Voice Chile", llegando a la etapa de “las batallas” para luego proseguir, ya como profesional con su carrera musical. Para 2018, se presenta dentro del programa de televisión de “ESPN2” y  "NEXO", para promover su próximo disco. Rous, lanzó su primer single debut "ROUS" en noviembre del 2018, y el segundo en abril del 2019.

Paulo Rojas: Cantautor chileno, “me formé como músico compositor, cantante, interprete y actor”, señala. Ha participado en diversos programas de talento y producciones de la televisión chilena. También ha pisado los foros del teatro, y audiovisual, pero principalmente desde la música es donde inicio la ruta independiente como compositor y artista “integral”. Actualmente cuenta con tres discos; terminando un cuarto álbum para este año 2020.

Los horarios disponibles aquí:


Sound and Sunrise 2a presentación

“Sound on Sunrise”, recorrido musical virtual desde México, pasando por Chile y Argentina

México, 12 mayo.- A través de distintos medios informativos nos vamos enterando del progreso que va teniendo  el Síndrome Respiratorio Agudo Grave SARS-CoV-2. A nivel mundial, las cifras muestran que ya se rebasa los 4 millardos de personas confirmadas con el virus. Estados Unidos de Norteamérica, es quien posee el mayor número de personas confirmadas, le sigue España y remplazando el tercer lugar que tuvo Italia hasta hace pocos días, ahora lo ocupa Inglaterra. (Según los datos de Notimex, el pasado 11 de mayo).

Esta fluctuación de contagios por  COVID-19 a nivel global,  se debe a procesos que van desde su periodo de gestación  hasta su desarrollo y posterior curación. Dependiendo de cómo se lleven a cabo las políticas de salud en cada país, se irá realizando una progresión para tratar de regresar a las actividades laborales, educativas y comerciales

En México, el seguimiento y trato que se le  ha dado a los posibles contagios por parte de la Secretaria de Salud; han sido realizados de manera responsable y atinada; según reconoce la Organización Mundial de Salud (OMS), para América Latina. Cotidianamente, vemos aparecer en distintas plataformas al subsecretario de Salud, Hugo López-Gatell Ramírez, a corregir y/o desmentir sesgos informativos; tanto de medios nacionales como extranjeros. Pero también a informar de los progresos en el control que se está ofreciendo para el control de la enfermedad, promoviendo el valor de “salvar vidas.

Debido a estas contingencias, casi todas las naciones han optado por reducir la marcha de ciudadanos por las calles. Lo cual ha generado un impacto en varios sectores económicos, tanto públicos como privados. México ha actuado previo al arribo del virus COVID-19. Y para ello se tomaron medidas importantes, desde la jornada “Quédate en casa”, hasta el modelo “Centinela” y su actual revisión gracias al modelo matemático.

Pero el ámbito cultural es el que más se ve más acotado.  Los museos, teatros, galerías y hasta espacios para el entretenimiento; se han tenido que cerrar para evitar los posibles contagios. Estos espacios que regularmente son lugares para el sano entretenimiento, tenían la ventaja de construir cierta armonía para gozar desde obres teatrales, exposiciones, discusiones de todo tipo, cultural, científico… hasta degustar de las diversas expresiones musicales que regularmente ofrecía la CDMX.

Debido a estos protocolos de guardar una sana distancia, y evitar que lugares se vean conglomerados de personas. Diversos artistas se unieron para aliviar la tensión, abulia y/o estrés causado por el constante encierro. Por lo que Amigos de Solar han desarrollado la estrategia de lanzar una serie de presentaciones a través de “Sound on Sunrise”, este 15 de mayo. “Un recorrido por México – Chile y Argentina”. Los cuales podrán ser vistos a través del portal de Nine Fiction https://www.ninefiction.com  medio de comunicación con sede en Guadalajara, Jalisco y Facebook Live donde se podrá ver y escuchar a:

cartel SunRise amigos de Solar 01Los solistas y bandas que harán una serie de presentaciones en vivo, pero con la idea en mente de “Quédate en casa”.

 Pánica (Chile),

Magnolia (Chile),

CN4 (México),

Pablo Dacal (Argentina),

Niño Van (Tijuana, Méx),

Fernando Ibarra (Méx),

Testa (Chile) y

El Doble U (Méx).

 

Las presentaciones darán inicio a partir de las 19:00 hrs; tiempo de México, en Chile a las 20:00 hrs; y Argentina 21:00 hrs.

 

Con estas propuestas, se abren puertas masivas que ayudan a cuidarnos entre nosotros.

Crónicas de la Radio: Darío Parga, “la trova sigue viva y el canto rebasando los límites de las fronteras”

México, 04 mayo.-  radio eduEn un manto de colaboración de puertas a las que tocando se abrieron, reseñaremos algunas de las conversaciones que a través de Radio Educación, hemos tenido la enorme oportunidad de ir descubriendo.  Voces que suenan, pero que tal vez pocos escuchan. EL 27 de febrero, el trovador, poeta, rockero, blusero y multicolorido cantautor Darío Parga conversó en Pueblo de Patinetas. Programa que se trasmite por Radio Educación y es  conducido por el maestro: Rafael Catana. En dicha entrevista, el músico llegaba con su más reciente material: “Fronteras P. M y otros límites”, editado por Pentagrama. Obra autogestiva. Procesos en los que muchos artistas genuinos se sumergen, o recurren; ya como una rebelión contra amarras que les imponen disqueras nacionales o trasnacionales, o bien, dados los complicados y caros procesos para grabar un disco.

La manera en que Darío Parga selecciona sus canciones, es a partir de una compleja disposición de material que ya ha elaborado. Tras escoger entre esas composiciones; escoge aquellas que logran despejar al “común denominador”  que entrelace la secuencia en que irán  encajando  las piezas del rompecabezas letrístico y musical. Su producción  abarca ya cuatro álbumes completos: “La Ausencia del Mar”,  “Realmente un juego” (un espacio lúdico para el “ego”)  “Paisaje de disforia” (obra que fue planteada para una obra de teatro, por lo que la elaboración escapó a sus decisiones) y finalmente, este 4º disco en estudio “Fronteras P. M. y otros Límites” 

Fronteras P. M. y otros Límites  es un álbum que nace casi de manera instantánea. Su autor, comenzó por tratar de responder a incógnitas propias de nuestra naturaleza humana “¿qué fue nuestra infancia? Dios ¿existe?” Dichas fronteras lo conducen por los recovecos del pensamiento; del tiempo y su relativo espacio. Recorridos a través de los límites de: Dios, las fronteras del silencio, del miedo, del amor. (Este disco cuenta  con 12 pistas). Es en estas “Fronteras del amor”, donde sus ideas ya fluían aceleradamente y sin obstáculos. Cada rola contiene sus anécdotas. Por ejemplo, para la canción “Fronteras y otros límites de Dios”. Darío nos revela que se vio influenciado por la película de Martin Escorsese “La última tentación de Cristo”. “¿Qué hubiera pasado si Jesús se hubiera bajado de la cruz?” Al sacar un balance, se planteó el tema como algo que ocurre cotidianamente entre nosotros. Darío Parga 02

Para las fronteras “Del Silencio”, la obra en sí, ya constituía un reto. Por lo que decidió abordarla desde diferentes perspectivas “el silencio como algo positivo, como algo hermoso, como un lenguaje bello que ocurre en el amor, y lo terrible que también puede a llegar a ser el silencio mismo”. Tampoco soslaya el silencio propiciado por el temor, o el silencio desde el poder y sus terribles consecuencias; un silencio que obliga a callar cuando no se está de acuerdo con lo que se ve (en la vida política y/o social). El silencio del “absurdo, acto que le ocurre a los creativos cotidianamente”. Señala el poeta-cantautor.

Pero ¿cómo irle dando sentido al silencio? Su autor nos confiesa: “Ésta noción de las fronteras, las alimento conversando con diferentes amigos y planteándoles la pregunta “¿Qué son las fronteras para ti?” Ante esta pesquisa, Parga logró una respuesta interesante “la frontera soy yo”. Le confiaba un gran amigo. Sin embargo, Para el pensador de las fronteras,  considera que no hay una canción que hable específicamente de ésta circunstancia de momento.

¿Cuán difícil fue contar con tan reputados músicos?

Ya sobre la línea de las amistades y colaboradores, a Darío le cuesta trabajo definir la frontera entre “Yo no sé  si los respeto porque los quiero, o los quiero porque los respeto”. Y es que la calidad de voces que se suman a esta cuarta producción, son de un gran calado. Aquí podemos encontrar las participaciones de David Haro, Rafa Mendoza, Francisco Barrios El Mastuerzo, Martha Moreleon y Juan Pablo Villa.

Para él,  “El trabajo que realizó con ellos; está dotado de una profunda admiración que albergo por estos grandes amigos. Es un ejercicio de egocentrismo. No es para inflar el disco, o magnificarlo, sino la forma en la que me  escuchó  a través de otros. Es como si tratara de medir mis palabras en las voces de otros”.

Francisco Barrios, mundialmente conocido como “El Mastuerzo”, es una de las voces con las que ya ha grabado,  desde la segunda producción “Realmente un Juego”. Darío encuentra en el  timbre de la voz de su gran amigo, el campo propicio para  ejercitar el alter ego. Una suerte de diálogo a voces que coinciden  en pensamientos y estrategias del juego musical. En el mundo de los cantautores, las voces lo son todo. La palabra busca su elocuencia y un destino, un objetivo. Darle forma a las ideas. Satisfecho y con la certeza de que a  cada disco que haga Darío Parga;  éste desea contar con el apoyo y/o colaboración de Francisco Barrios. Y es que en el extenso rango vocal, Darío confiesa tener un gusto por aquellas voces (tanto vocales como físicas), que sean más preponderantes, o cómo el las llama “Más recias”.

Cal y Canto, la escuela de formación musical.

(Darío proviene de una familia de bohemios, artistas que conforman “Cal y Canto” la hermandad Parga: José Antonio Parga, Julio Parga XI, Jorge y el mismo Darío)

Darío le confiesa a Rafael Catana, (conductor de Pueblo de Patinetas) que su iniciación en la música, frente a lo que hacían sus hermanos lo lleva hasta los festivales su de infancia, en la escuela. Para él, allí ya fijaba sus posturas. Posiciones reales de que para él, “la música tenía que ser algo serio”. Contaba con 14 años cuando se integra a Cal y Canto. Las influencias que han contribuido a éste proyecto nacen desde sus contactos familiares y amigos que visitaban su casa, entre ellos: David Zorai, Gabino Palomares, Álvaro Castillo (compositor de un grupo de SLP llamado “La Fuga”). Dichas influencias, eran voces con las que se  iban relacionando, y alimentando a través de los discos que se escuchaban en casa. Se convertía en una relación “seria” con Gabino Palomares, Silvio Rodríguez, Oscar Chávez entre muchos otros.

¿Cómo recuerdas esas aproximaciones a la trova?

“Muchas de las canciones de los trovadores, cuando las escuchaba, no entendía bien a bien qué era lo que decían. Para mí eran cosas que ocurrían y estaban pasando, pero lo que me costaba trabajo era; incorporarlas a mi entorno inmediato. A tal punto que me ¡pase años y años cambiándoles la letra a muchas de esas canciones! En esta idea de contar con una idea propia de las cosas” En su notorio espíritu de sencillez y humildad, apunta  nunca pensó en ser “superior” a Silvio Rodríguez; o esa gama de trovadores que tomaban la escena de los 60 a 70 del siglo pasado….

¿Cómo descubres esa veta en la composición o escritura?

 "Mis inicios en la escritura nacen de esos ejercicios de cambiarles la letra a las canciones, para cuando me di cuenta, ya estaba yo escribiendo”. Estos procesos dieron pie a que José Antonio se acercara a su hermano menor para proponerle hacer un disco en mutua colaboración. Jorge Parga, el hermano mayor, había ya creado el concepto para Cal y Canto, para cuando se integra Darío, el concepto cambia, o dicho de un mejor modo, renueva el espíritu de la agrupación.

El disco nace en 1998. Para ese entonces, el repertorio de Darío ya daba para un centenar de canciones. No obstante, su estilo no se basa en la búsqueda de “encontrar el hilo negro”, de  estar revisando la misma canción. Para él, es el dinamismo, continuar moviéndose hasta la siguiente canción. Siempre pensando que para él, la canción es en sí “un ejercicio”. Acto con el que sigue y se ve reflejado en sus obras autorales. De ese gran árbol de canciones, suele entrar y buscar fragmentos, “retomar un pedazo de aquí y de allá” para construir nuevas ramas de emociones que se ven a lo largo de sus canciones.

¿Cómo encuentras tu propia voz para distanciarte de tus influencias?

“Seguramente me fusile a Silvio en muchas canciones. Pero había ocasiones que me decían “se oye la voz de Silvio en ti”. Sin embargo, el lenguaje no podía ser el mismo, por formación, circunstancias de vida, el entorno etc. Lo que sí te puedo asegurar, es que es un ejercicio honesto de mis canciones. Ninguna tiene que ver con Silvio u otro cantautor. Pero sí me gusta la idea de tratar de resolver, desde chavito, los laberintos intrincados del lenguaje. Pero no hay una marca en mí que te diga que antes escribía de una manera y hoy de otra. Lo cual me permite a mí escoger de ese ‘acervo’ canciones o ideas, letras que puedo incorporar ahora sin que se note alguna diferencia”.

¿Te consideras un “Hágalo usted mismo?

Yo me hice músico en casa, finalmente ¡nuca estudie música! Mi hermano estaba allí, siempre me hablaban de armonías. José Antonio, siempre me hablaba de las estructuras de las canciones. Entonces; mi casa fue más una suerte de taller donde me he formado. Pero ya con el tiempo, vas conociendo a compositores de trayectoria, de palabra firme, con proyectos de búsqueda interesantes, ahí es donde se abre un proyecto de puertas que se abren para cruzarse

¿Hay una diferencia en SLP de tocar allá a tocar en la CDMX?

Claro, de hecho me pasó factura. En un momento me llegó esa duda “¿por qué no estás en el DF? ¿Qué es lo que te falta para estar en el DF? ¿Te faltó valor, calidad?”  Qué es lo que pasa con estas cosas. San Luis Potosí es una ciudad compleja, pero para el potosino; y lo es también, para el visitante. La idea que se tiene de la gente de allá, es que es una gente algo “recia”. Y yo creo que eso te dice algo, uno siempre habla en la manera en que te forma el entorno… Entonces ¿qué me dio San Luis? Volvemos a lo: “aspiracional”. Yo nunca quise ser el “mejor compositor” de San Luis, te lo comento no como soberbia, tal vez con cierto grado de ingenuidad.

¿Qué papel sientes jugar dentro de una sociedad como es SLP?

Trato de identificar al compositor que soy, pero no me había percatado antes de esto. Es algo que hasta ahora me doy cuenta, de saber quién es ese compositor a través del tiempo, de que he estado ahí… De haber aguantado, de haber resistido… Por variadas razones no vine a parar a la CDMX. Tal vez esa parte de compositor y crecimiento que pude haber tenido, esa madurez que en determinado caso haya yo logrado; se la debo yo a esa anuencia de haber estado yo acá… Sí me ha cobrado de algún modo factura el que no me haya venido a la CDMX. Tanto para los de allá, como los de acá, como que los dos, todos quieren su parte de explicación de qué fue lo que pasó.

Pero alguna marca debe dejarte tu propia ciudad…

Sí, aunque debo reconocer que la ciudad de San Luis me ha abierto los ojos para ver ciertas cosas que de otro modo no habría visto. Yo creo que esto me ha ayudado a elaborar o a dimensionar de algún modo la estructura de la canción… Y no me refiero a la mía, sino a la canción en general. “Cuál es el objeto de la canción, cuál es el objetivo de hacer esto…”

¿Cómo ves a la canción y a su voz en español?

Chico Buarque (poeta, músico y escritor brasileño), decía con respecto a la canción, palabras más palabras menos: “que él pensaba que la canción estaba llegando como a un final”, y pensé, “bueno, tiene razón”, no lo dice cualquier persona. Pero ahora yo distingo que no es así. Que la canción mexicana… Primero, siempre ha tenido una identidad, pero de una canción en general, de una identidad que se gesta aquí, vamos, hay quienes quieren sonar como cubanos, o como Sabina. Pero gracias a que me he quedado en San Luis me ha dado una voz propia; pero que es allí donde se ha fortalecido.

¿Cómo das con Martha Moreleon?

Resulta que a San Luis llegaron a radicar dos mujeres. Una pintora, Sofía Kyriakaki, y la otra; una investigadora del arte Elena Fazaki. Ellas llegan a vivir con sus maridos mexicanos, uno potosino y otro del norte. Ellas tienen una relación muy estrecha con Adela Fernández, hija de Emilio el Indio Fernández. Por otro lado, las hermanas de Martha, una de ellas es estudiosa del lenguaje helénico y  egresada de la UNAM. Esos nexos los unen, además son amigos del papá de Martha; y el papá de ella está viviendo en San Luis Potosí.

Cuando se comienzan a gestar las actividades del Centro Estatal de las Artes pero de allá, de San Luis Potosí, ubicada en lo que fue una antigua penitenciaría, llegan nuestras amigas griegas a montar una exposición que se llamó “Dos océanos un mar”. Allí me invitan a cantar, porque hay una mexicana cuasi potosina en Atenas, Grecia, y  que es nada más y nada menos que Martha Moreleon. Allí nos encontramos, no nos conocimos en Grecia, sino acá en San Luis Potosí… Y es algo que casi siempre me pasa. A toda la gente que conozco, casi siempre la conozco en SLP, y ya después nos vimos en Grecia. Fui a cantar para una serie de exposiciones. Hago una pequeña gira en diversos centros culturales, lo cual despierta entre nosotros una gran amistad.

Darío Parga es una voz a contracorriente, pertenece a esos músicos en resistencia que aún elaboran canciones basándose en la poesía, en la mirada sencilla de lugares apacibles aún, dentro de lo que cabe. Rafael Catana le advierte  “Esta plática nunca la vamos a terminar, te lo advierto de una vez”.

Como dos ajedrecistas que quedan tablas, se estrechan la mano, se levantan de la mesa, se apagan las luces y se retiran en una noche sesgadamente lluviosa. El público que les acompaña, bebe los últimos sorbos de una buena charla. Al llegar a la puerta, la caminera ya surte sus efectos, las luces de la avenida general las sombras de una caminata donde cada quien… ¡A su cantón!

* Tras la reciente pérdida física del Caifan mayor, Óscar Chávez, le mandamos un cordial y solidario apoyo a sus familiares. Descanse en paz Óscar Chávez Fernández. 

Desde las profundidades marinas, emerge delicadamente la primera aleta de Kälad: “Sail Away”, el sencillo de Julieta Ruiseco

Sail Away, sencillo de Kälad

México, 18 marzo.- “El reclamo de una sirena que envía  un mensaje a su amante marinero, el cual  espera desde algún puerto para soltar las amarras que aún lo detienen e ir en búsqueda de su amada, no es nada fácil en un mundo demasiado humano”. Es el espíritu que se desprende del sencillo: Sail Away. Rola que forma parte  de Tales of The Sea, álbum que está por lanzar próximamente la intérprete Julieta Ruiseco.

Ruiseco es una cantante  de sesión que ha decido zarpar por los mares de metal sinfónico, para navegar en solitario. Ya en la pasada entrevista que tuvimos con la talentosa y hermosa joven (10/feb/2020). La artista nos adelantaba sobre sus inquietudes. La de sacar un material en solitario o con una agrupación. Los astros formaron su conjura y, pasando la casa de Acuario. Los Piscis se reunieron ante un estudio de grabación para unir  sus  talentos, y darle forma a su creatividad e imaginación.

Tales of the Sea, será un álbum que contará de entre 6 a 7 tracks. Sail Away es ya el sencillo con el que se levantan las redes de Kälad. Producido y Arreglado por Roy Cantú y Raúl Guerra en Circo Denso. La producción  experimentó algunos problemas, barreras que han quedado sorteadas.

Con una estrategia bien resuelta, el material fue enviado a San Marino Italia para ser masterizado y mezclado allá. Bajo el cuidado de Simon Mularoni en su estudio: Domination. Los arreglos orquestales y programación, quedaron bajo la mano de: Roy Cantú y Raúl Guerra. Dentro de este grupo muy nutrido de expertos, los músicos invitados fueron: guitarras: Roy Cantú y Raúl Guerra, Mikko Mazcorro, bajo: Raúl Guerra, Batería: Javier Garagarza, teclados: Raúl Guerra, así como su participación en los coros.

Pero ¿qué nos cuenta este primer single? Abordemos el arte visual como primer impacto. El video fue realizado por Iván Vázquez (Voidwolf VFX), artista gráfico que se especializa en abordar temas para bandas metaleras.  A través de un estilo narrativo conocido como “video lyric”, el video comienza en un océano suavemente iluminado resalta un azul profundo, éste no se encuentra solo, le acompaña una luna entera que ilumina; el ascenso desde las frías aguas  al icono de Kälad. A  muy pocos metros, una roseta antigua de los vientos, dorada y con grabados hermenéuticos, espera pacientemente emerger por completo. Bajo esta sencilla narrativa, las letras que contienen a Sail Away, van apareciendo en la pantalla, Iluminadas por ribetes de fuego.

Desde una toma aérea, finalmente se revelará la fuerza oculta de Kálad. Ahí, el dramatismo que ofrecen unas poderosas guitarras, crearán el destello que hacía falta… Es tiempo del primer estribillo, y sólo hasta ese momento (1:40), vemos a la oculta Sirena. Olas submarinas señalarán pistas de signos que aún no son por completo develados, pero ya nos atrapan; dejándonos entrever  algo maravilloso por venir.

Haciéndose a la mar…

¿Cómo suena la voz de Julieta Ruiseco? Primero, es un álbum que sonará por completo en inglés. La narrativa por la que camina  toda la pieza, nos conducirá por las historias épicas y medievales clásicas. La razón, la intérprete considera. Primero, que así fue como concibió todo el proceso creativo, además. Es un estilo donde por el momento, ella se encuentra a gusto. Sail Away comienza con un piano y una flauta, primeras pinceladas celtas. Aires grandilocuentes a un viaje que apenas arranca. Posteriormente, las poderosas guitarras emergen acompañadas de una orquestación, tablas que van moldeando  una rola que transpira metal sinfónico.

Con un paneo que se desplaza de lado a lado, la batería se escucha alternada. En tanto, la voz de Ruiseco aparece al centro. Pero generando la sensación que está arriba, en un cénit. Su voz es poderosa, pero aterciopelada. Resulta  suave  al contacto con el oído. Esto se percibe de inmediato; particularmente cuando cobija ciertas palabras clave, partes donde genera ciertas flexiones que nos llaman, o ceden a su enigmática presencia.

Es probable que alguien encuentre en la voz de Ruiseco parecidos a Diana Krall, u otras cantantes del jazz más contemporáneas. Esto quizás se deba a su formación jazzística. Escuela que le ha marcado y  que se nota en su estilo al cantar. Aunque también, se alcanzan a percibir influencias de ciertas bandas europeas, como Nightwish, pero en tono más suave.

La historia es muy sencilla. Es una propuesta a navegar contra viento y marea en busca de esa historia, una narración que nos invita a desprender nuestras amarras (de pensamiento), e imaginativamente; lanzarnos a esa aventura con ella. De momento Tales Of The Sea, es una obra que no ha emergido por completo, sólo hemos visto a la hermosa sirena, y oído su voz. Una voz que nos invita a ponerle atención a lo que nos cuenta.

Julieta Ruiseco nos prometió una sorpresa de gran calado, y Sail Away, consigue dar esa sorpresa. Tas haber escuchado este  sencillo, ya nos urge escuchar todo el material. Las fuertes cuerdas que han soltado al agitado mar, ya constituyen un gancho seguro. Un tema que vamos a disfrutar enormemente.

El proyecto arrancó con leve tropiezo en la  producción, pero ¡convence y mucho! Hicieron muy bien en tomarse su tiempo y esperar; no zarpar cuando la visión no era clara del todo hacia el horizonte… Compartimos con ustedes de ésta primicia que apareció este 13 de marzo del año en curso: https://www.youtube.com/watch?v=zRx0URcyoJ0   Video que ya lleva 397 visitas (hasta el momento en que se escribe esta reseña).

*Desde Infórmate Mx, diario en línea, le deseamos a Julieta Ruiseco/Kälad todo el éxito.

Señalan probable plagio intelectual de alto académico de la UAM

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México.- Profesores y diversos académicos de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), han emitido un comunicado a la sociedad en su conjunto y a medios informativos, sobre una incómoda situación por la que están atravesando. 

El pasado 11 de marzo, suscribieron una carta en la que adjuntan diversos documentos en los que denuncian el posible plagio de contenido intelectual al egresado del Politécnico; el Ingeniero y arquitecto Ricardo Antonio Tena Núñez. El doctor en urbanismo por parte de la UNAM, y maestro en Estudios del Tercer Mundo CEESTEM y Licenciado en Etnología por la ENAH-INAH, ha sido profesor e investigador desde 1993.

Es miembro del Sistema Nacional de Investigadores del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (CONACYT) y de comités científicos de redes de investigación nacionales e internacionales. Para el año del 2011, recibió la presea "Juan de Dios Bátiz" por parte del Instituto Politécnico Nacional. Entre sus investigaciones destacan: Proyecto Ejecutivo para la nueva sede del CIESAS PS, Oaxaca (2013).

Ha sido destacado con el premio “Francisco De La Maza” que otorga el Instituto Nacional de Antropología e Historia (1991 y 2002). Además, de haber obtenido  el primer lugar en el proyecto de Investigación Urbana del IPN (2000).

Es autor de por lo menos siete obras literarias, en las que se encuentran “Cultura urbana en las megalópolis de América Latina: México y Sao Paulo” (2015) y “Ciudad,  cultura y urbanización sociocultural” (2007). Ha sido coautor de: “Los nuevos paradigmas en los análisis urbanos. Complejidad y Urbanización Sociocultural en la Ciudad de México” (UAM-IPN, 2015, con R. López Rangel).

Además, cuanta con más de 30 artículos, así como una serie de capítulos de libros. En el ámbito de las conferencias, ha participado en diversos congresos y foros nacionales e internacionales, destacando en su biografía la  “Cumbre de Hábitat 11”, en Estambul (1996). Fue organizador del tercer Foro Internacional de Multiculturalidad (2013) y participó en el Foro de Políticas Públicas y Acciones en el Centro Histórico de la Ciudad de México (2016), entre otros.

Sin embargo se sospecha de que al menos, hay una treintena de sus tesis en las que el maestro en diversas ciencias, ha incurrido en el plagio de material académico. Incluso, existe la posibilidad de que una de las tesis de su autoría, ésta “no existe”.

De momento, el grupo de la Junta de Académicos de la UAM, manifiestan "sientirse lesionados en su persona", pues  consideran que el distinguido doctor “ha usurpado funciones más allá de la tolerancia” y consideran injusto que “se esté apropiando” de su trabajo, para obtener beneficios académicos y/o económicos.

La circular que la junta de acádemicos emitió,  señala: “Exigimos al Dr. Tena, respeto pleno a nuestra trayectoria académica y a las autoridades correspondientes. Que nos brinden una respuesta inmediata, realizando una investigación a fondo. Puesto que no es la primera vez que el Dr. Tena; haciendo uso de sus vínculos y estrategias tiene conductas antiéticas, y pasa por alto la normatividad oficial”.

Los señalamientos contra el Dr. Ricardo Antonio Tena Núñez y la sospecha sobre su currículo, se encuentran de momento en un acuse de “recibo”.

Noche de Poesía y canto, este 2 de abril en el Multiforo Alicia

Noche de poetas en el AliciaMéxico, 14 marzo.- Con un cartel de voces bohemias que le cantan a la vida: “Es de Noche y un Poeta Sobrevive”.  Las voces de: Nina Galindo, Zaira Franco, Geo Equihua, Nanahäi y Rafael Catana, se presentarán en El Multiforo Alicia este 2 de abril, para llevar a cabo un show en  apoyo a José Peguero Arciniega. El destacado documentalista nace el 8 de agosto de 1955. A los 24 años ingresa al CUEC-UNAM, donde realiza su preparación como cineasta.

En la poesía, formó y desarrollo el “Movimiento del Infrarrealismo”. En 1974, escribe y publica artículos sobre literatura para México y Europa, así como la impartición de talleres de poesía. En su trayectoria, ha desarrollado la actividad como docente del TEC de Monterrey y la Universidad Latinoamericana,  ofreciendo diversas conferencias.

Es miembro fundador de EnDoSXXI,  junto a Humberto Ríos, Edmundo Aray, Juan Carlos Lossada entre muchos otros. Para el 2007, junto a un grupo de otros documentalistas; éstos se propusieron trazar un movimiento de directores que usaran al “cine”, como herramienta para entrelazar las luchas latinoamericanas, apoyar la cultura e identidad de los pueblos latinos.

Como activista, el cineasta ha reseñado los movimientos sociales de los años 1960 a través de diversos documentales, así como su participación en el libro “Historia del Cine Documental en México, La Construcción de la Memoria, Coordinado” por Guadalupe Ochoa, Conaculta -Imcine, apoyándose con el artículo: “El cine militante, necesario como el sol y más grande que una aspirina”.

José Peguera Arciniega, es fundador, director y productor de Macario Producciones S. A. de C. V. Espacio que ha colocado material tanto en Europa, como el resto de Latinoamérica. Su producción fílmica abarca desde: cine documental cultural, series y programas educativos, así como cine de ficción.

Destacan en su palmarés: Benny Moré en México (2002), Aitestás (2000), Concierto México 1968-1998 (2000), Semana Santa en Coyoacán (2000), En defensa de Wirikuta (2012). Su serie de programas educativos fueron realizados tanto para la SEP, la Universidad Autónoma de Morelos, El Consejo de Fomento Educativo, Fondo de Cooperación Española, Tv UNAM, la Secretaría de Salud y de Cultura del D.F.

Entre sus obras más contundentes, sobresale: Ayotzinapa, Crónica de un crimen de Estado (Dir. Xavier Robles 2015). Y “Estridentópolis(Macario Producciones, 2017), filme que aborda un estilo poético que nace en 1921, pero que se concretó de (1925 – 27). Dicho estilo nace en la Universidad de Xalapa, Veracruz. Sus premisas se basaban en: “abordar la situación político-nacional y postrevolucionaria a través de la narrativa visual”. También,  Participó en la adaptación de la novela de Roberto Bolaño, “Los Detectives salvajes”, como Jacinto Requena.

En un gesto de nobleza, la fiesta que nos prepara el Multiforo Alicia es, abrir las bóvedas a un género que no ha muerto: "La trova". Aunque la trova es un estilo musical  que nació  con un carácter poético. Aquí la palabra y su sonoridad se caracterizan por el deseo de desarrollar la conciencia e impulsar un  espíritu de libertad. Sentido que cobra cabal importancia al buscar  la crítica social y política. Actualmente, es un estilo que se  nutre de diversos géneros musicales, que van desde el rock, el montuno, el bolero, el son jarocho, el funk y hasta pinceladas con el blues. Sus exponentes en América Latina, han aportado grandes figuras y canciones; himnos  que de pronto son retomadas como banderas de lucha y combate social.

La fraternidad de estos músicos mexicanos y sus fuertes lazos con la solidaridad reúne sus talentos para una gran noche; como: el de Nina Galindo, trovadora, rockera, blusuera, poeta y activista por los derechos de la mujer. El estilo de Nina es muy variado, la artista, es una consagrada que se encuentra en el ámbito de “artistas en resistencia”. Quizás, sea una de las pocas mujeres que han formado parte del movimiento “rupestre”

También estará Zaira Franco, una artista que a parte de una voz con una paleta muy colorida, se desempeña en el baile, la escritura y la poesía. Para ella, “las palabras, la música y la muerte es el elemento unificador”. Egresada de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, es además,  licenciada en literatura alemana. Con un tren de más de 17 años de carrera artística, sus intereses investigaciones, generalmente oscilan hacia la música y su relación con la muerte.

Geo Equihua, es una joven que mezcla los sonidos ancestrales y los contemporeaniza. La joven intérprete se mueve cómodamente entre los instrumentos de percusión y la guitarra, pero también haciéndose de recursos por la música electrónica. Generando atmósferas, relativamente novedosas, si nos mantenemos sobre la tesis de la trova.

Nanahäi, es un grupo compuesto por: Lucila (vocales) José Luis (guitarra) Ommar Tercero (batería), Alejandro Arreola (bajo) y Gustavo Beltrán (al piano). Este grupo oriundo de la CDMX, oficialmente creado en 2015. Se alimenta del jazz, el blues y el funk, aportando al proyecto un estilo particular.

Finalmente, el gran intérprete Rafael Catana. Catana es un referente para muchos músicos, e incluso para la historia misma de la música en México. Intérprete, compositor, poeta y escritor. Creo un estilo de narrativa conocida como el “infrarrealismo”.  También es fundador y parte del movimiento “rupestre”, al lado de Rockdrigo González.  Oriundo de Veracruz, es egresado de la Escuela Nacional de Música de la Universidad Nacional Autónoma de México. Participó en puestas en escena con el Colectivo Libre de Experimentación Teatral y Artística (CLETA) entre muchos proyectos. Actualmente conduce "Pueblo de Patinetas" en Radio Educación. Donde entrevista a músicos de diversas nacionalidades, abriendo el espectro a artistas independientes y proyectando estilos poco conocidos en la radio nacional.

Durante la presentación se rifarán facsímiles (copias o reproducciones casi idénticas a un original), revistas y libros autografiados. El acceso comienza a las 19:00 horas, este 2 de abril. Costo $100 pesillos.  Avenida Cuauhtémoc 91-A, en la Roma.

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